ESPRONCEDA – Institute of Art & Culture se complace en presentar la exposición “Arte del confinamiento”
a cargo del Astillero Espacio Cultural de Barcelona. La exposición colectiva nace gracias a la idea de
Carles Guitart. De acuerdo con la filosofía de Espronceda de abrir sus puertas a los artistas locales y las
asociaciones locales plasmando su espíritu de colaboración y cooperación con la comunidad local.
Fecha de la Exhibición: del 10 al 19 de Diciembre de 2020
Inauguración: 10 de Diciembre de 19:00 a 21:00
Horario galeria: de Martes a Sabado | 16:00-20:00
Es obligatorio hacer reserva por Eventbrite
BIOGRAFÍA DE LOS ARTISTAS
PERE L. CAMPINS
El artista mallorquín no pinta cuadros, más bién los hace como en la antigüedad los poetas y escultores hacían sus obras.
Sus cuadros suelen estar hechos con trazos, manchas, objectos, papeles y plásticos junto a hilos de hierro y otros materiales.
Lo que busca es coser, ligar, relacionar algunas sensaciones, inquietudes, afectos a su presente: la obra.
MARIANA MIZARELA
Mariana Mizarela nació en Porto en 1987. Con un grado en bellas artes y master en ilustración artística, ha desarrollado hasta
ahora enumeres exposiciones colectivas, individuales, como participar en eventos, bienales y festivales. También desarrolla,
como profesora muchos talleres en el ámbito artístico. Apasionada por la técnica de collage y por las vanguardias del siglo
XX recoge fotografías vintage, y junta técnicas con pintura hasta la animación. Por otro lado tiene un interese enorme por el
dibujo, adonde ahí deja su imaginario expandir por mundos nuevos. Sus referencias son de carácter biográfico o vivencias
globales. Para esta exposición presenta dibujos hechos al largo del confinamiento, adonde todos nos sentíamos atrapados en
nuestras casas. Lejos, sin embargo todos compartiendo los mismos sentimientos.
PABLO PEÑALBA
Buenos Aires, 1981. Actualmente vive en España. Formación en diseño gráfico y fotografía en la Universidad de Buenos Aires
(UBA) Grado de ilustración en la Escuela de Artes y oficios Llotja de Barcelona.
“Mi trabajo es realismo sucio de emociones humanas”
EVA ALONSO
Eva Alonso (Madrid, 1978) sobre todo dibuja, aunque de vez en cuando coge el pincel, se siente segura rascando el papel con
su portaminas 0,7 mm y las manos manchadas de negro. Ensucia, borra y raya frenéticamente invocando a sus personajes,
que surgen del soporte a duras penas, sucios y medio desnudos. Son personas con atributos animales o viceversa que sonríen,
porque todo es negro, porque todo es humor.
“No tears please, it ́s a waste of good suffering” es el título de su último proyecto, un ejercicio de asociación que combina
textos y conceptos procedentes del cine, la literatura y la música dentro de un mismo género, el terror y la violencia, con
representaciones religiosas a lo largo de la historia. El resultado es un conjunto de dibujos y pinturas satíricos que, además de
ridiculizar el sentimiento místico, constituyen una especie de homenaje a lo grotesco.
EDUARD ANTA
Nacido en Barcelona en 1984, estudio pintura i escultura en la escuela de arte y diseño Massana. Principalmente trabaja la
pintura al óleo.
De corte hiperrealista, surrealista, simbólico, fantástico y onírico. Pintor del detalle, de la paciencia, del recuerdo, de la
nostálgia, de la pulcritud. Durante la cuarentena, ha hecho un ejercicio de copia fotográfica a lápiz.
ESTEBAN CORNACCHIA
Esteban Cornacchia. Enero de 1981 . Buenos Aires. Estudia Licenciatura en Artes Visuales -Pintura-en la U.N.A. Su obra se basa
en el dibujo, la pintura, la gráfica y la fotografía. En 2017 se muda a Barcelona a realizaruna residencia artística. A partir de un
trabajo de campo en los barrios obreros, desarrolla una pintura donde aparecen todas las expresiones artísticas efímeras -y
no tanto-que estos contextos generan. Busca en el paisaje urbano, las historias en los objetos que terminan y se inician. Los
bordes blandos de la ciudad, lo que se desdeña. La temática es la ciudad que se pasa por alto como contexto, tomando como
punto de partida su arquitectura. Retrata el arte urbano, sus grafitis, las texturas, calidades, peso de materiales como hierro,
madera cemento y la manifestación del paso del tiempo, sus cambios, moho, roturas, ruinas. Arqueología urbana y de relatos
a través de las cosas. Vive y trabaja en Barcelona.
RAÚL GONZÁLEZ
Soy Raúl González,un artista de Barcelona, nacido 6-10-82.
Tengo estudios realizados en la escuela de comic Joso de Barcelona, también dos años de ciclo formativo de grado superior
de ilustración en la escuela Pau Gargallo de Badalona. Experiencia profesional diseñando portadas y merchandise para grupos
de música, también he trabajado para empresas de juegos de mesa ( género de rol).Mi especialidad es pintar en acrílico sobre
papel, la temática de mi obra es de género fantástico, me inspiro en mundos creados por la literatura, el comic y el cine de
ciencia ficción y de terror.
En mi obra busco causar un impacto en el espectador ya sea con el uso de la paleta de colores o con imagenes cargadas de
intensidad, a veces son imagenes donde se puede reflejar nuestra realidad pero de una manera deformada, creo que poniendo
un punto de realismo en el género fantástico es cuando realmente el espectador se siente más atraido e identificado. Otro
género que me interesa es el surrealismo y quizás haya algunos aspectos de esto en mi obra.
ARTURO LACAL, ALEX SALU Y JORDI JIMENEZ
Arturo Lacal: cocreador de dos cortometrajes de animación stop- motion, “Ranaway” y “Ronquidos”, participando como
animador, en dirección, diseño de arte y creación de personajes. Ha trabajado también en proyectos de artes visuales,
principalmente pintura, ilustración y escenografía en danza-teatro.
Forma “Mikado Film Studio” junto con Álex Salueña, ilustrador y periodista, especialista en backgrounds y postproducción,
coautor del cortometraje “Haiku” hecho en técnicas stop-motion y Jordi Jiménez, con formación y experiencia en el sector
del vídeo, postproducción/grafismo y animación stop-motion que ha realizado vídeoclips, cortometrajes para encargos
institucionales y también personales, como dibujante y director de arte. Actualmente es artista residente de La Volta, Girona.
MARGHERITA ALBANESI
Anudando y tejiendo Margherita explora la relación entre material, cuerpo y espacio en la creación de objetos textiles, desde
accesorios de moda hasta tapices decorativos, que unen la tactilidad del arte textil al atmósfera colorida creada por la
variedad de fibras que utiliza. Materiales inesperados como cables audio y otros tipos de objetos reciclados se mezclan con
cuerdas, hilos, tejidos, ramas y barras de metal en una armonía visual única. Margherita emprendió su carrera trabajando para
la industria de la moda como diseñadora, pero sintiéndose rápidamente insatisfecha con el aspecto inmaterial del fashion
design, comenzó a aventurarse en el mundo del macramé y del arte textil. Su técnica principal es el macramé, pero también
utiliza tejido de agujas, trenzado, telar de alto lizo y siempre trata experimentar y desafiar los límites de los medios que utiliza,
mientras se deja transportar por las propiedades terapéuticas intrínsecas en estas prácticas manuales lentas y repetitivas.
SUSANNE WEHMER
Nacida en Bad Urach (Alemania) en 1973, vive y trabaja en Barcelona. Licenciada en Pintura por la Ecole Nationale Supérieure
des Beaux-Arts, París.
En su trabajo pictórico, Susanne Wehmer usa imágenes de su entorno cotidiano, prestadas de la sociedad de consumo de
hoy, las cuales transfiere a soportes industriales como el metacrilato o el aluminio. La contemporaneidad de imágenes y
soporte contrastan con su técnica pictórica tradicional al óleo, ejecutada a pincel hasta llegar a un resultado casi hiperrealista.
Mediante la pintura la autora recrea su universo cotidiano añadiéndole su visión personal. El resultado son cuadros pintados
al óleo con una superficie totalmente lisa y satinada, parecida a la de las portadas de revista.
CARLES GUITART
Carles Guitart desarrolla un lenguaje gráfico en el que la geometría es fundamental para buscar el equilibrio en la composición,
elaborando obras en las que la compartimentación del espacio se pone al servicio del conjunto de la obra. El resultado son
obras que nos deben hacer pensar respecto al límite entre figuración y abstracción, utilizando fragmentos de antiguas telas
en las que la figuración sigue presente, y que se yuxtaponen en obras que son un reto a la categorización de la abstracción y la
figuración. Son obras formadas por fragmentos de antiguas telas, partes de obras anteriores, la segunda vida de los cuadros,
telas con doble vida, partes de obras vividas, vidas partidas en cada fragmento.
